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AC/DC: “En vez de estar viendo TikTok, espero que este álbum haga que los jóvenes se compren una guitarra”

Los integrantes de AC/DC hacen un pedido especial para que existan más bandas de rock con temas propios.
La emblemática banda AC/DC se encuentra a puertas de lanzar su nuevo disco llamado Power Up, del cual se desprende el primer sencillo llamado “Shot in the dark”.
Durante una entrevista con NME, Brian Johnson y Angus Young hablaron sobre su nueva producción que ha emocionado a sus millones de fans en todo el mundo.
El vocalista y el guitarrista sorprendieron con sus declaraciones al señalar cómo han cambiado las generaciones con respecto a la música, sobre todo con el rock.

Brian Johnson hizo un pedido especial a todos sus seguidores para que se inclinen a aprender tocar instrumentos musicales y dejen a un lado la aplicación TikTok.

“En vez de estar viendo a los bailarines en TikTok, espero que este álbum haga que los más jóvenes se compren una guitarra, aprendan los riffs y descubran el resto”, comentó el vocalista.

“Sería muy bueno que nazcan más bandas de rock que compongan sus canciones y los toquen en el escenario”, agregó Brian Johnson.

Por su parte, Angus Young reveló que el nuevo disco de AC/DC está dedicado a su hermano Malcolm, quien falleció en noviembre de 2017 a los 64 años tras luchar contra una larga enfermedad.

“Su muerte nos entristeció, pero creo que está ahí cuando tocamos. Suena divertido, pero siento que me comunico con él cuando toco la guitarra”, refirió.

Como se recuerda, AC/DC tuvo varios cambios tras la muerte del fundador Malcolm Young. Luego de algunos años, el nuevo disco está formado por Brian Johnson (voz), Phil Rudd (batería), Cliff Williams (bajo), Angus Young (guitarra) y Stevie Young (guitarra).

Fuente: La República

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Shannon Hoon: se cumplen 25 años de la muerte del vocalista de Blind Melon y joven promesa del rock

El músico estadounidense Shannon Hoon lideró el grupo Blind Melon hasta su muerte a causa de una sobredosis en 1995, a los 28 años.

El último miércoles 21 de octubre se cumplieron 25 años de la prematura muerte de Shannon Hoon, líder y vocalista de la recordada banda Blind Melon, con la que tuvo un fugaz paso por el estrellato durante los años noventa, gracias al álbum homónimo de la banda (1992), Soup (1995) y Nico (1996).

A sus 28 años, Shannon Hoon ya se había convertido en una de las jóvenes promesas del rock and roll. Sin embargo, una vida de excesos provocó que la voz detrás de “No rain” se apagara para siempre, solo un año después de que la estrella del grunge Kurt Cobain se suicidara a los 27 años.

El fanatismo de Shannon Hoon hacia el líder de Nirvana era sabido entre sus más allegados y, tras el suicidio quedó devastado, pues no llegó a conocerlo. Con quien sí llegó a entablar una amistad fue Axl Rose y hasta llegó a realizar colaboraciones vocales en las grabaciones de los temas “Live and Let Die”, “November Rain”, “The Garden”, “You Ain’t the First” y “Don’t Cry”.

Durante su adolescencia, Shannon Hoon destacó en los deportes debido a su hiperactividad, pero también era conocido en su localidad Lafayette, Indiana, por haber sido arrestado en más de una oportunidad. Los problemas del brillante joven se hicieron mayores cuando se inclinó por la música. A los 17 años integró la banda que tocaba covers de los Guns N’ Roses, para luego integrar Styff Kytten.

Debido a sus problemas con la justicia, Shannon Hoon se mudó a Los Ángeles, donde conoció a los músicos Brad Smith y Rogers Stevens, con quienes luego formaría Blind Melon. Por esos años también entabló amistad con Axl Rose.

En 1992, Blind Melon ya era una realidad y debutó con el álbum que lleva el mismo nombre de la agrupación. Pese a que no tuvo un éxito significativo, el tema “No rain” logró posicionarse en las emisiones de la MTV y esto les alcanzó para telonear a artistas como Ozzy Osbourne y Soundgarden.

La fama y popularidad llegaron para Blind Melon y sus integrantes empezaron a aparecer en portadas de importantes revistas y diarios, sus discos se empezaron a vender y comenzaron las giras. La noche del 20 al 21 de octubre de 1995, la banda se trasladaba de Houston a Nueva Orleans y en este trayecto Hoon consumió cantidades exageradas de cocaína hasta provocar su fallecimiento.

El joven vocalista fue enterrado en Dayton, Indiana y en su lápida se pueden leer algunos versos de la primera canción que compuso: Change, con un videoclip y letra que invita a la reflexión de la vida.

Fuente: La República

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Fallece Eddie Van Halen, legendario guitarrista de rock, a los 65 años

El miembro fundador de la banda Van Halen perdió la vida en un hospital de California luego de padecer de cáncer de garganta.

Eddie Van Halen, leyenda del rock e integrante de la famosa banda Van Halen, perdió la vida este 6 de octubre a los 65 años, según información publicada por TMZ.

El medio indicó que el músico falleció en el St. John’s Hospital de Santa Monica y en presencia de su esposa e hijos. Además se informó que días atrás, los doctores descubrieron que el cáncer de garganta que padeció se había expandido a su cerebro.

Edward Lodewijk Van Halen, más conocido en el mundo artístico como Eddie Van Halen, fue un destacado guitarrista de raíces neerlandesas y estadounidenses. Además, uno de los miembros fundadores de la legendaria agrupación de hard rock Van Halen.

El músico fue diagnosticado con cáncer en el año 1999, por lo cual tuvo que ser operado un año después. Desde entonces fue sometido a diversos tratamientos para frenar el avance de la enfermedad; sin embargo, no desistió en su carrera musical y siguió asistiendo a diversas presentaciones junto a toda la banda.

En los últimos años, viajó constantemente de Estados Unidos a Alemania para atravesar terapias de radiación.

Eddie Van Halen fue uno de los guitarristas más destacados de todos los tiempos. Incluso fue nombrado entre los diez mejores según la lista de la revista Rolling Stone, ocupando el octavo lugar.

La república

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Biografia: onoce mas de Ray Parker Jr / Raydio – Ghostbusters

Cantante, autor, productor. multiinstrumentista (domina bajo, batería, guitarra, teclados, sintetizadores y se dobla en los coros), Ray Parker se inicio profesionalismo como músico de los hilanderos al lado de Ollie Brown, Hamilton Bohannon y Michael Hederson entre otros. Durante un tiempo acompañado de muchos de los artistas de Motown, entre ellos Stevie Wonder, Temptations y Gladys Knight & The Pips. Marvin Gaye fue el primero en grabar una de sus canciones. Posteriormente Ray se unio al sello Invictus / Hot wax, formado por Holland- Dozier- Holland al dejar Motown. Como guitarra intervino en una importante relación de éxitos (Band of gold, Want ads, Dame un poco más de tiempo, etc.) y en 1972 Stevie Wonder le llamo para su gira europea, grabando con sus obras básicas. Talking Book e Innervisions.

Afincado en los Angeles, Seguio grabando como musico de sesion aparecio en los creditos de discotecas de Boz Scaggs, Barry White, LaBelle y muchos otros interpretan. Como autor, comenzó a revelarse con Obtuviste el amor para Rufus y Kepp en Herin Hancock (nominada para el Grammy). Finalmente decidio concentrarse en su propia carrera y formo el grupo Raydio, aunque sus grabaciones estan cantadas, arregladas, producidas y ejecutadas en todos sus instrumentos por el mismo, salvo ayudas diversas de otros musicos, siendo tambien el ingeniero de grabacion y el arreglista. Raydio (78) y Rock on (79) son las obras que señalaron su fulminante aparicion y exito, completadas por el single No puede cambiar eso. En 1979, Ray intervino en el festival No Nukes, incluido en el triple LP del concierto.

Su carrera artistica se afianzo con los albumes. Dos lugares al mismo tiempo (80) y A woman just love (81), tras los cuales Ray abandono “la idea” de Raydio para grabar bajo su propio nombre. Parker obtuvo un exito muy amplio con La otra mujer (82) y con la recopilación Lo mejor de Ray Parker Jt (82).

 

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Eric Clapton, una guitarra entre el cielo y el infierno

Ya en la primera frase de sus memorias Eric Clapton asegura que desde el principio de su vida tuvo la sensación de ser una persona “diferente” a las demás. Al menos, el primer palo que recibió estaba fuera de lo normal: aquel niño se enteró después de unos años de sus padres eran en realidad sus abuelos y su hermana era su madre. Tras eso, el “pequeño bastardo”, tal y como le llamaba su tío, pasó la niñez y la adolescencia encerrado en sí mismo. Su madre se terminó yendo de casa, su padre nunca apareció y su único consuelo en el entorno pobre y aburrido de la localidad de Ripley, al sur de Londres, fue el blues, que, como tantos chicos de su generación, conoció por los programas de radio nocturnos.

El blues entró en su vida y ya nunca le abandonó. Fue la primera de muchas obsesiones que acompañarían al espléndido guitarrista y que son relatadas en Clapton. Autobiografía, un libro publicado en español por Neo Sounds (traducción de Puerto Barruetabeña Diez) ya la venta del 9 de septiembre. No son las típicas memorias de batallitas, aunque en sus casi 400 páginas se acumulen varias escenas de sexo, drogas y rock and roll, como esa fiesta a mediados de los sesenta en la mansión de Hurtwood en la que Clapton cuenta que, rodeados de algunos Rolling Stones y otras figuras musicales, casi se vuelven un juntar en su jardín para tocar los cuatro Beatles —faltó Lennon— mientras el anfitrión acabó encerrado 24 horas en un armario.

Era Clapton diferente y obsesivo desde que quedó maravillado por pioneros del blues del Mississippi como Big Bill Broonzy y Robert Johnson. Durante la década dorada de los sesenta, Mano lenta —apodo que perdió por el tiempo que tardaba en cambiar las cuerdas que rompía de la guitarra en los conciertos frenéticos— no halló nunca una identidad propia, ni un sonido definitivo, ni una sola estética determinante , como sí sucedió con colegas como Bob Dylan, los Beatles, los Rolling Stones o Jimi Hendrix, amigo íntimo que, en el mejor momento de Clapton con el supergrupo Cream, le adelantó por la izquierda. “Por desgracia para nosotros, Jimi acababa de sacar ¿Tienes experiencia? y eso era lo único que quería escuchar a la gente.A través de su autografía, entiende que, al igual que tenía serias dificultades para las relaciones sexuales desde el humillaron en el colegio, costaba permanecer mucho tiempo en un proyecto musical, algo que a la larga perjudicaría a aquel prodigio de la guitarra para ser un Gran referencia de la contracultura.Fueras donde fueras todo era Jimi, y eso me deprimió mucho ”, confiesa Clapton.

Reconoce Mano lenta cierto síndrome del eterno segundo, pero aún más el mismo tipo al bautizo “Dios” en la escena londinense en los primeros compases de su carrera nunca estaba satisfecho con nada. Tozudo y “demasiado purista”, dejaba grupos excelentes como los Yardbirds y John Mayall y sus Bluesbreakers en cuanto se desviaban un poco de su fanatismo blues o abandonaba bandas de impacto mediático y comercial como Cream o Blind Faith por falta de interés. Clapton era una sangre pura de la guitarra, pero no encajaba en su época, hasta el punto de la beatlemanía le parecía “terrible” y demostraba “lo aborregada que estaba la gente”.

Tampoco encajaba en su vida. Tanto como al blues se enganchó al alcohol, la cocaína y la heroína a medida que fue escalando en su carrera, que en los setenta empezaría en solitario. Inquieto siempre artísticamente, el guitarrista tenía habilidad para elegir canciones de otros —Bob Marley, Bob Dylan, Jimi Hendrix o JJ Cale— y convertirlas en sus propios éxitos, pero su deprimente vida narcotizada le impedía idear grandes obras en conjunto. En solitario, cuesta hallar un álbum suyo absolutamente redondo, incluso 461 Ocean Boulevard y No Reason to Cry, que contiene un espíritu muy atractivo, hijo por su creador como trabajos donde “se ve lo borracho que estaba”.No puedo decir lo mismo de la formidable y desgraciadamente breve asociación con Derek y The Dominos, de donde salió en 1970 un disco magnífico y Layla,

La monumental belleza de este lamento camufla la preocupante obsesión de Clapton por la mujer de su gran amigo. En sus memorias, el guitarrista refleja su desesperación, llegando incluso al acoso, como cuando la amenazó con seguir inyectándose más heroína hasta matarse si no se iba con él y dejaba a Harrison. Unos años después, Pattie Boyd al final se separó del beatle —fan de los escarceos sexuales con otras mujeres— y se unió a Clapton, que, después de tanto, acabaría destruyendo su matrimonio con ella por culpa de su alcoholismo. En el libro, el autor de Layla hace un sincero ejercicio de reconocimiento de culpa por su comportamiento con la mujer de su vida, y con tantos que le rodearon cuando empezaba el día desayunando tres whiskys.“En los peores momentos de mi vida, la única razón por la que no me suicidé fue porque sabía que, si estaba muerto, no podía beber. Era la única cosa por la que merecía la pena vivir ”, asegura.

Después de pasar por desintoxicación en dos ocasiones durante los ochenta, cuando menos inspirado estuvo musicalmente, a Clapton, que ya tuvo tres años sin beber, le esperaba en 1991 su peor desgracia. La muerte de su hijo Conor. El pequeño de cuatro años se cayó desde un piso 53 de un rascacielos de Nueva York. Su recuerdo fue detonante de Tears in Heaven, la composición por las que más premios recibidos Clapton, quien en sus memorias no incide mucho en el dolor de aquellos años y sí en la fuerza que halló en la música, la oración y la rehabilitación para recuperar la estabilidadRemata su autobiografía con la posibilidad de redención, esa que, en los peores momentos de su existencia, bajo un remolino de obsesiones, Mano lenta ofreció a los demás a través de los deleites y llantos de su guitarra irrepetible.
El pais

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Elton John, una historia de excesos y adicciones

Inmerso en su gira de despedida, el cantante británico produce un ‘biopic’ sin censura sobre su viaje al éxito
“Va a ser un viaje salvaje”, dice la voz en off en el recién estrenado tráiler de Rocketman, el filme sobre el ascenso a la fama de Elton John que se estrenará en mayo de 2019. La distribuidora de la cinta la define como “una fantasía musical épica que narra la historia personal y sin censura de los años que hicieron famoso a Sir Elton John”, y el actor principal, Taron Egerton, también ha declarado que no será una película biográfica al uso, lo que queda patente en una escena del adelanto de la cinta en la que todos acaban levitando. Otros fotogramas —John destrozando una habitación en pleno ataque de furia, John llenando un vaso de alcohol, o John con máscarilla de oxígeno en la camilla de un hospital— hacen pensar que el filme, pese a que David Furnish figura como productor y el propio Elton John como productor ejecutivo, no pasará de puntillas por su adicción al alcohol y las drogas. ¿Por qué iba a hacerlo? El músico, sobrio desde 1990, ha hablado de ello en numerosas ocasiones. En 2010 lo contaba así en el programa Life Stories: “Yo no me consideraba un drogadicto. Creía que esos eran los que se clavaban agujas en el brazo, pero en realidad yo era el mayor yonqui. Estuve muy cerca de morir”.

Aun así, hay muchas más luces que sombras en la vida de este solista, pianista y compositor inglés, que atesora una de las carreras más exitosas y longevas de la historia del pop. Nacido como Reginald Dwight en 1947 (Elton John era su nombre artístico, pero se lo cambió oficialmente en 1972), mostró por primera vez sus dotes para el piano a los tres años. En sus cinco décadas en la música ha ofrecido más de 4.000 conciertos, ha vendido 300 millones de discos, ha ganado seis Grammys, un Tony y un Oscar y, entre 1972 y 1975, colocó siete álbumes seguidos en el número uno. Su prolífica asociación con el letrista Bernie Taupin (se conocieron en 1967 cuando ambos respondieron al anuncio de una discográfica que buscaba compositores) es una de las muchas amistades que John ha cultivado en la industria (de John Lennon a George Michael, y de Eminem a Lady Gaga), aunque su lengua, a veces viperina (llamó a Keith Richards “mono con artritis” y a Madonna “stripper de feria”) también le ha supuesto más de un encontronazo.
La llegada de sus hijos, Zachary y Elijah, nacidos por gestación subrogada en 2010 y 2013, parece haber suavizado su carácter (también tiene diez ahijados, entre ellos Brooklyn y Romeo Beckham). Lo ha admitido incluso David Furnish, su marido desde 2014 –aunque llevan juntos desde 1993–. Considerado por muchos un portavoz de la comunidad gay (hasta Vladimir Putin lo llamó para emplazarle a una cita para hablar de los derechos LGTB), lo cierto es que el cantante no se declaró homosexual hasta 1988, justo después de que se rompiera su breve matrimonio con la ingeniera de sonido Renate Blauel. “Quería ser un buen marido sobre todas las cosas, pero al negar quién era realmente le causé tristeza a mi esposa, y una enorme culpa y arrepentimiento a mí mismo”, escribió hace unos meses en Instagram, donde acumula más de un millón de seguidores.

A principios de los 90, Elton John hizo de la lucha contra el sida su causa. Después de las muertes de Ryan White —un adolescente de Indiana que contrajo el virus en una transfusión y fue cruelmente discriminado— y Freddie Mercury, en 1992 estableció su fundación, que hasta la fecha ha recaudado más de 400 millones de dólares gracias a eventos como sus épicas fiestas en los Oscars o el White Tie & Tiara Ball que solía celebrar en su mansión de Windsor. Un empeño que compartió con la princesa Diana, la amiga que lo consoló en el funeral de Gianni Versace y que moriría, también trágicamente, pocas semanas después (2.500 millones de personas vieron a Elton John interpretar Candle in the Wind en su funeral por televisión). La relación con los hijos de Diana sigue siendo estrecha (John y Furnish acudieron a las bodas de Guillermo y Enrique de Inglaterra), y el cantante actuó en el concierto por el Jubileo de Diamante de la reina Isabel II, que en 1998 lo había nombrado caballero. También es uno de los hombres más ricos de su país, y su colección de arte y fotografía es tan apabullante que incluso protagonizó su propia exposición en la Tate Modern. Y, sin embargo, en una entrevista en 2016 aseguró que sus hijos solo reciben tres libras de paga: una para ahorrarla, otra para gastarla y otra donarla.
Además de por su película, Elton John está hoy de actualidad porque acaba de comenzar su gira de despedida de los escenarios, que constará de 300 conciertos en cinco continentes. El vestuario lo firma Gucci y, de hecho, el estilo extravagante del cantante en los 70 (con esos trajes brillantes, esas boas de plumas, esas gafas imposibles…) inspiró a Alessandro Michele la colección de verano 2018 de la firma. Rocketman no podía ser un biopic al uso, porque la vida en la que se inspira tampoco lo ha sido. Pero, a sus 71 años, Sir Elton quiere dedicarse a algo tan convencional como recoger a sus niños del colegio. “No quiero morir en la carretera —dijo a The Telegraph en 2016—. Quiero morir en casa, y quiero pasar un montón de tiempo con mis hijos antes de que eso pase”
El Pais

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Café Tacvba y Wendy Sulca cantaron juntos en concierto “Rock en Lima”

La vida le sonríe a Wendy Sulca. Y ella devuelve una sonrisa que conquista a los más escépticos. Así pasó ayer en el estadio Monumental de Ate, donde ante más de 30 mil personas, Wendy Sulca brilló cantando al lado de Café Tacvba.

El concierto del grupo mexicano transcurría con normalidad y alegría -hay que ver a esta banda en vivo para entenderlo-, hasta que Rubén Albarrán, vocalista de ‘Cafeta’, se dirige al público para anunciar a una invitada muy especial.
“¡Le damos la bienvenida a Gonzalo y Wendy Sulca!”, grita Rubén mientras aparece una pequeña en físico, pero gran artista en el escenario. Wendy está acompañada de Gonzalo Calmet, músico y compositor de algunas temas de la cantante peruana. Wendy saluda a todos y comienzan con lo suyo. “Olita del altamar”, es el tema de los mexicanos suena en la voz de Rubén y Wendy, y en el charango de Gonzalo. La canción fue bien recibida por el público que ayer se dio cita para el festival en el que también participaron Vicentico y Maná.
La historia entre Café Tacvba y Wendy Sulca no es nueva. De hecho, el vocalista de la banda mexicana, Rubén Albarrá, está co-produciendo el tema “Siempre podemos bailar”, dueto que formará parte del tercer álbum de Wendy, que será lanzado en 2019.

Veintidós años, a punto de sacar su tercer álbum de estudio. La estrella peruana de YouTube prepara su nuevo disco pero mientras tanto crece. En los números del internet sí, pero también en una carrera en la que cada vez va ganando más gente que conoce y gusta de su música.

elcomercio

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‘In My Life’ la compuso Lennon y no McCartney, según las matemáticas

¿Quién escribió la célebre canción In My Life? ¿John Lennon o Paul McCartney? Esta pregunta, que no solo enfrentó a los dos líderes de The Beatles, sino también a sus fans, por fin tiene una respuesta… matemática. “Hay un 98% de probabilidad de que haya sido compuesta por Lennon”, ha asegurado a este periódico Jason Brown, matemático y profesor en la Universidad de Dalhousie, en Halifax (Canadá), que se define a sí mismo como “un inmenso admirador” de la banda de Liverpool. Brown conoció hace cuatro años a Mark Glickman, profesor de Estadística en Harvard y, como él, fanático de los Beatles. De este encuentro fortuito nació el deseo de conseguir lo que, hasta ahora, afirma, nadie se había atrevido a hacer: crear un modelo estadístico capaz de aclarar la autoría de cualquier canción.

“Nos pareció importante determinar quién de los dos compuso realmente la canción y, más aún, tratándose de un grupo como los Beatles”, explica Brown. Si bien, Lennon y McCartney solían firmar juntos la mayoría de las canciones de la banda —a excepción de las compuestas por George Harrison y Ringo Starr— sin diferenciar jamás quién de los dos había escrito la letra, o compuesto la melodía, el tema In My life, grabado en los estudios de Abbey Road en octubre de 1965, ha sido una de las pocas composiciones del grupo (junto a Eleanor Rigby) cuya autoría fue discutida por ambos tras la separación de la banda el 10 de abril de 1970. Paul McCartney sostenía ser el autor de la melodía de la canción, cuya letra, escrita por Lennon era, según su biógrafo y amigo, Pete Shotton, una referencia clara a la muerte con tan solo 21 años del primer bajista de los Beatles y excompañero de piso de Lennon, Stuart Sutcliffe, víctima de una hemorragia cerebral en 1962.

Lennon nunca aceptó la versión de McCartney. Incluso llegó a afirmar en una de las últimas entrevistas, concedida a la revista Playboy antes de su asesinato, en 1980, que el bajista le ayudó solamente con el middle 8 (parte de la canción que une una estrofa con otra) en este tema del álbum Rubber Soul, reconocible por el solo de piano barroco que introdujo el quinto Beatle, el productor George Martin. Para resolver este enigma, Brown y Glickman han adaptado a la música la estilometría, técnica que permite determinar quién es el autor de un texto a través del análisis estadístico con el que se identifican las características de la escritura de cada persona.

Los matemáticos analizaron durante seis meses y “a mano” 70 canciones de los Beatles, compuestas entre 1962 y 1966 (desde el álbum Please Please Me a Revolver) basándose en cinco criterios: las notas utilizadas, las secuencias de dos notas, los acordes, las secuencias de dos acordes y los contornos melódicos (cuando las notas suben o bajan); a los que se sumaron más de otras 140 subcategorías.

El modelo, que según Brown “tiene un 80% de fiabilidad”, no tiene vocación a limitarse a este experimento, presentado durante una conferencia en Vancouver (Canadá) el mes pasado. “Se trata de una herramienta fundamental y, más aún, con el paso del tiempo, que es cuando la memoria se borra”, cree el matemático, que ya en 2004 publicó un estudio en el que aseguraba haber resuelto el enigma que rodeaba el primer acorde de la canción A Hard Day´s Night (Jason I. Brown, Mathematics, Physics and A Hard Day’s Night). Brown está convencido de que, además de determinar la autoría de cualquier composición, el modelo desarrollado también permitirá detallar “el peculiar sello de cada autor”. El siguiente reto de estos dos matemáticos es demostrar científicamente, utilizando este método, la importancia de la influencia de Bob Dylan en la obra de los Beatles.

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De Oasis a Backstreet Boys: Las canciones occidentales utilizadas en anime

La música de anime es todo un mundo. Existen bandas japonesas que basan su éxito en las canciones que realizan como openings o endings para diferentes anime.

De la misma forma, existen populares bandas asiáticas, que cada cierto tiempo deciden colaborar con algún anime en particular, un caso reciente de esto es el de Hyde (L’Arc en Ciel) y Yoshiki (X Japan) quienes se unieron para el nuevo opening de Attack on Titan.

A pesar de que la mayoría de las veces son bandas japonesas o asiáticas las que acompañan la apertura y cierre de las diferentes series de anime, existen casos en que son utilizadas populares canciones occidentales.

Esto sin duda llama la atención, sobretodo para aquellos que están acostumbrados a escuchar las letras en japonés en las diferentes series. Quizás el caso más popular es el ending de JoJo’s Bizarre Adventure con la canción Roundabout de la banda inglesa de rock Yes.

Otra de las canciones occidentales que llegó al mundo del anime es la canción Falling Down del álbum Dig Out Your Soul de Oasis, la cual fue utilizada para el opening de Higashi no Eden.

Existen otros casos que pasaron un tanto desapercibidos, como el de Hanada Shounen-Shi, un anime que comenzó su emisión el año 2002 y que tuvo en su opening y en su ending a la popular boyband, Backstreet Boys. Las canciones escogidas fueron The One para la apertura y Drowning para el cierre.

Especial es el caso de Neon Genesis Evangelion, el anime creado por Hideaki Anno, el cual tenía en su cierre la canción Fly Me to the Moon. A pesar de ser una canción occidental esta contó con diferentes versiones en el anime, las cuales eran interpretadas por artistas japoneses.

Acá te dejamos un listado con algunas de las canciones:

Anime: JoJo’s Bizarre Adventure (Ending)
Canción: Roundabout
Grupo: YES 

Anime: Hanada Shounen-shi (Opening)
Canción: The One
Grupo: Backstreet Boys

Anime: Paradise Kiss (Ending)
Canción: Do you Want to
Grupo: Franz Ferdinand

Anime: Speed Grapher (Opening)
Canción: Girls on Film
Anime: Duran Duran 

Anime: Higashi no Eden (Opening) 
Canción: Falling Down
Grupo: Oasis

Anime: Ergo Proxy (Ending)
Canción: Paranoid Android
Grupo: Radiohead 

Anime: Wolf’s Rain (Opening)
Canción: Stray
Cantante: Steve Conte

Anime : Black Heaven (Opening)

Canción : Cautionary Warning

Cantante: John Sykes

Mención especial

Anime: Neon Genesis Evangelion (Ending)
Canción: Fly me to The Moon

Mouse.latercera

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Encuentran abandonada en un bosque la camioneta original con la que Aerosmith se iba de gira en los 70

El último episodio de American Pickers en el Canal Historia es especialmente emotivo para los amantes de la música. Los presentadores de este espacio que recorre Estados Unidos buscando antigüedades han localizado la camioneta original que Aerosmith usaba en sus primeros conciertos.

La camioneta es una International Metro Van de 1964 que ya era vieja cuando la banda la usaba para sus primeras giras por Nueva Inglaterra. Se da la curiosa circunstancia de que la camioneta llevaba abandonada décadas en un pequeño bosque cercano a la localidad de Chesterfield (Boston).

El vehículo se pudría a la intemperie entre los árboles. Cuando los presentadores se pusieron en contacto con el propietario del terreno este les explicó que la camioneta ya estaba allí cuando él se hizo con la propiedad y que, aunque había oído que estaba relacionada con la banda, no pensó que pudiera tener algún valor.

American Pickers le demostró lo equivocado que estaba. Los presentadores del programa se pusieron en contacto con Joe Perry y Ray Tabano, quienes enviaron viejas fotografías del vehículo. Tabano, fundador de Aerosmith, hasta visitó Chesterfield y confirmó que la camioneta era auténtica.

El programa se la compró a su actual propietario por 25.000 dólares. Aunque aún no hay nada concretado, es de esperar que la camioneta pase por un proceso de restauración que le devuelva su antigua gloria. Solo el proceso va a ser todo un espectáculo.

gizmodo

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